匆匆奔赴贺厅当晚，正值自己微恙在身，心绪处于飘摇的状态。秋日的衡复街区浸出丝丝凉意，少有行人，些许寂寥。走在南昌路的拐弯处，只有梧桐与小店灯火相伴，安静得仿佛可以听见自己的心跳声。正是这一份独有的寂静安宁，更让我对聆听一场室内乐充满了期待。我想要聆听属于自己的“德沃夏克”。
每每选择音乐会，德沃夏克的作品总会第一时间吸引自己与友人的眼球，不仅仅是因为曾经宝贵的学生乐团经历促使我与《自新大陆》交响曲、《斯拉夫舞曲》、《美国四重奏》等大家耳熟能详的作品紧密相连，于我而言，其本人的创作似乎难以被赋予一份极其精准的描摹。悠扬的、轻快的、民族的、感性的……哪一个都是他，而哪一个却都不属于他。因而，演出曲目的选择可以一窥演奏者们的巧思与野心。作曲家创作的重奏作品自不必多说，而改编自交响乐与艺术歌曲的二重奏却引起我的遐想。两首小提琴钢琴二重奏和大提琴钢琴二重奏在上半场构筑了音乐性格多元面向的德沃夏克。
“幼年时，母亲教我歌唱，她慈爱的眼里隐约闪着泪光；如今教自己的孩子们，唱这首难忘的歌曲，我那憔悴的脸庞也流下滴滴热泪”，一曲完毕，黄秋宁老师将《母亲教我的歌》歌词原文念予现场听众。诚然，母爱是最伟大无私的情感，与人声相比，小提琴的情感烈度有意褪去不少，小尾声的音流打破了原本宽广的旋律线条，这一版本的诠释淡雅素净，克制不失流动，似乎是为更好地承接《小奏鸣曲》的到来。这首写于作曲家移居美国之时的作品，是德沃夏克献给孩子们的礼物，自然是平添许多天真烂漫，童年、故乡、往事的回忆融于五声音阶、切分节奏等个性的音乐元素中，田园诗般的意境似油画般重现眼前。
不同于本场小提琴极其克制的表达，大提琴倒给我心中带来了情绪的些许涟漪。《A大调波兰舞曲》极少在舞台中演出，这也是我第一次现场聆听这首曲目。这段写给大提琴家阿洛伊斯-聂鲁达的音乐，主题遵循传统的波罗乃兹风格，十分抓耳，中部旋律和主题形成对比，悠扬宽广更具抒情性，可以听出大提琴依托钢琴尽力做出音乐张力的对比。《斯拉夫舞曲》的诠释似乎反其道而行之，原版交响配器已然将音乐戏剧性做到极致，但捷克作曲家伊里·吉洛改编的大提琴钢琴二重奏版本却更注重大提琴与钢琴之间的呼应问答与声音饱满的颗粒度。杜姆卡舞曲的主部主题由大提琴替代长笛与小提琴呈示，插部主题由大提琴与钢琴交替奏出，伴随着回旋的进程，多重主题并置层层递进；富里安特舞曲中钢琴的音流极为突出，为大提琴坚实有力的演奏赋予了灵动感，如果说原版是一场盛大的舞会热烈激昂，那这一改编版更像是木屋内的双人舞，恬静优雅，沉浸愉悦。
“纵使生命里有困难重重，但我们的心中也依旧充满光亮，为热爱的事业坚持到底。”这是黄秋宁老师对下半场曲目《杜姆卡》钢琴三重奏的感悟。伤感沉重的抒情段落与快速民间舞曲间奏的结合构成了德沃夏克的杜姆卡，这也使得音乐的性格很难被拘束在同一情绪中，或许淡然的创作与处理就是德沃夏克的本意吧。六个“杜姆卡”乐章独立而又不失牵连，可以听到，三位演奏者的演绎尽可能从速度、音色、力度等方面去加大悲欢对比的幅度，但并未突破戏剧冲突张力的范畴，尤以第二乐章大提琴与钢琴的配合最为突出追忆性的性格，而后小提琴的加入又将这一追忆变为些许剧烈的跃动，第三乐章也有类似的表达，这也是全曲抒情的最高点。在我看来，如何拿捏音乐处理中的对比统一，对于演奏者而言很难取舍，但扪心自问，生理上的反馈使我沉浸于三位演奏者的音乐处理，或许是多乐器的丰富色彩，下半场相较于上半场更为直接地触动到了我的内心。
如果说全场演出都尽可能地保持稳健，那么返场的《月亮颂》再次把浓烈的情感推向了高潮。选自德沃夏克歌剧《水仙女》的这一唱段被三位演奏者改编成了三重奏版本，三个乐器正如三泉流水交汇，尤其是小提琴承担的主题旋律此刻尽情歌唱，弦乐被赋予充分的抒情宣泄，让我不由地想起曾经观摩欣赏过的透纳画作，此刻，透纳笔下的月夜、潮水、氤氲、光影化作音符走向心里，是愉悦而非痛苦，是浪漫不是诀别，是哀而不伤，是展厅前被久久凝视的《海洛和利安德的离别》……
所以今天，我们听室内乐，能听到什么？
每选择一位作曲家进行专场演绎，并在浩如烟海的作品中选取兼具艺术性与可听性的曲目，对于演奏者和听众都皆非易事。我很难清楚演奏者在诠释过程中会如何理解德沃夏克，但它真的有那么重要吗？每个人心中有自己的室内乐，亦有自己的德沃夏克，重要的是我们都能在那一刻听到属于自己的声音，去理解自己心中的音乐。即使这样的体验瞬时难留，那又如何，聆听音乐本身吧，音乐已经将其呈现出来，你听到的，是属于自己的答案，它可以是悲伤，也可以是快乐，它有很多面，就看听者自己选择去拥抱哪一面。而这，或许就是这场音乐会真正的魅力所在。
所以今天，我们能听到真正的德沃夏克吗？
似乎依旧难以回答，那便不妨忘记所谓的答案吧，因为无解就是最好的注解，留白是最柔的笔触，休止是最美的音符。
编辑：小晗
